So sieht es aus, wenn die Videospiele-Industrie Promo-Fotos macht: Drei Jungs müssen "Skylanders" spielen und sehr begeistert tun. Ganz so peinlich, wie dieses Foto nahelegt, ist das Spiel gar nicht.

Das Beste für den kleine Gamer

Videospiele für Kinder gehören zurzeit zu den erfolgreichsten. Leider gibt es in diesem Segment Großartiges neben großem Unsinn. Ein paar Tips zu Weihnachten (2012) – eine Übersicht  für alle Spieler zwischen 4 und etwa 12.

Da können kulturkonservative Mahner sagen, was sie wollen: Videospiele stehen bei Kindern nun einmal ganz oben auf dem Wunschzettel. Einige bieten kluge Unterhaltung, andere sind einfach nur dumm. Hier ein paar Tipps, welche Titel gut sind – und von welchen man besser die Finger lässt.

Porträt der Berliner Games-Entwickler von “Yager Design”

Das Büro von "Yager" in Berlin-Kreuzberg

Die wollen nur spielen

Fünf Freunde auf dem Weg nach oben: Sie trafen sich Mitte der 80er im Computerklub der DDR. Sie blieben zusammen. Nun haben sie mit “Spec Ops: The Line” eins der teuersten und interessantesten Videospiele des Jahres 2012 herausgebracht

Timo Ullmann schmerzt die Schulter. Er hat wieder ein paar Sprünge gemacht, auf den Judomatten. Ullmann ist der Chef der Berliner Videospielefirma „Yager“. Über seinem Berliner Loftbüro, wo 100 Menschen für ihn programmieren, zeichnen, Pistolensounds basteln und Energydrinks kippen – oben über dem eigentlichen Büro gibt es ein Zimmer, das mit Matten ausgelegt ist. Dort haben sie Erschießungen gespielt, für ihr Spiel „Spec Ops The Line“. Sie haben für die Kamera vorgemacht, was die Spielfiguren tun. „Das war emotional ziemlich hart“, sagt Timo Ullmann. „Zuerst fanden wir uns lustig, und nach und nach blieb allen das Lachen im Halse stecken.“

Besser könnte man ihr Spiel nicht beschreiben. Die Deutschen haben eines der größten und wichtigsten Spiele dieses Jahres geschaffen. Rund 40 Millionen Dollar soll es gekostet haben – soviel wie ein mittelgroßer Hollywoodfilm und mehr als jeder aktuelle deutsche. Es fängt als lässiges Kriegsspiel an, und zeigt dann mehr und mehr den Schrecken des Tötens. Sehr ungewöhnlich für Videospiele. „Wie wollten dem üblichen Hurra-Patriotismus in der Spieleszene etwas entgegensetzen“, erklärt Ullmann.

„Wie zum Teufel sind sie damit durchgekommen?“, fragte ein amerikanisches Spielemagazin – um am Ende der Besprechung „10 von 10 Punkten“ zu geben. Wer „Spec Ops The Line“ an der Playstation spielt, zieht frohen Mutes in die Schlacht, gerät in Hinterhalte, verliert erst seine Selbstsicherheit, dann seine Kameraden und wird plötzlich versehentlich selbst zum Kriegsverbrecher. Das dürfte das erste Antikriegsspiel sein. Was Filme wie „Apocalypse Now“ und Romane wie „Herz der Finsternis“ leisten, das kann nun auch ein Spiel. Es erntet gerade Lob aus der ganzen Welt.

Begonnen hat diese überraschende Erfolgsgeschichte vor 25 Jahren. Damals haben kamen Ullmann und die Männer, mit denen er die Firma „Yager“  leitet, zusammen– als Teenager in der DDR. Uwe Bennecke, Roman Golka, Philipp Schellbach, Timo Ullmann, alle um 1972 geboren und alle heute knapp vierzig, trafen sich als Teenies im „Haus der jungen Talente“. Da ließ die DDR ihren ersten und einzigen Computerclub laufen. Es gab schon ein wenig „Laissez-faire“ in der strebenden Diktatur, erinnert Ullmann sich. „Die wollten wohl technisch Anschluss finden.“ Also wurde es geduldet, dass viele auch West-Computer mitbrachten – irgendein Verwandter fand sich oft, der einen C-64 über die Grenze schmuggelte. Computerfreaks waren noch seltsame, harmlose Außenseiter. Jetzt, im Spätsommer 2012, sitzen die fünf Freunde in einem Konferenzraum ihrer eigenen Firma. Auf schwarzen Sofas, vor einem riesigen Fernseher, an dem Playstation, Xbox und alte Spielkonsolen hängen. Was für viele Männer ein Traum wäre, ein ideales Wohnzimmer, hier ist es Arbeit.

Sie denken gern an die 80er. Wie dann Mathias Wiese dazukam, der fünfte im Bunde. Er ist studierter Bildhauer, hatte einen Platz an der Kunsthochschule Weißensee ergattert. Aber eigentlich interessierten ihn nur Computerspiele. Und Philipp, der war eigentlich beim „Omnibus“. Alle lachen, wenn er das erzählt. „Omnibus“, das war der berühmteste Jungenchor der DDR, so etwas wie die Wiener Sängerknaben des Ostens. Bloß kam Schellbach irgendwann in den Stimmbruch und dann war alles vorbei. Er suchte ein neues Hobby und bekam einen HC-85, den Heimcomputer der DDR. Später einen C-64 vom Westonkel. Vom Commodore Amiga, dem mit den sechzehn Millionen Farben, konnte man nur träumen – 10.000 Ostmark kostete er, soviel wie ein kleines Haus. Uwe Benecke haben sie im Zug nach Leipzig kennengelernt, zur Frühjahrsmesse, da gab es immer einen Commodore-Stand. „Wir kamen mit einem C-64-Aufkleber zurück“, sagt Schellbach. „Und wir waren so stolz darauf.“ In Berlin traf man sich immer wieder. Telefone gab es nicht. Aber einer ging beim anderen vorbei und klingelte.

Wenn sie heute aus ihrer Fabriketage treten, stehen sie direkt an der Spree. Man blickt auf die O2-Arena und die East Side Gallery, den kunstvoll besprayten Rest der Berliner Mauer. Daneben auf die Oberbaumbrücke, über die nachts das Partypublikum zieht und auf der immer zwei bis drei Bands stehen. Hier am Schlesischen Tor in Kreuzberg dürfte derzeit das Zentrum der Szene Deutschlands sein. Hier sitzt nun auch die aufregendste deutsche Games-Firma – nur noch „Crytek“ aus Frankfurt produziert auch so große und aufwendige Spiele.

Als vor 15 Jahren die Firmengeschichte begann, gab es nur die fünf Männer und eine Idee für ein Science-Fiction-Videospiel. Dieser Vorgänger ihres heutigen Spiels hieß „Yager“, wie das Unternehmen, und erschien 2003. Investoren empfingen sie vorher in der Küche von Roman, dem großen Programmier unter ihnen. „Meine Bude sah am besten aus. Die hatte Laminat“, erinnert er sich. Das war im Friedrichshain, in einem echten Berliner Zimmer, diesem seltsamen Wurmfortsatz der ostdeutschen Altbauen, zum Hof hin, mit nur einem kleinen Fensterchen. Die Szenen aus dem Videospiel, das es bisher ja nur in Köpfen der fünf gab, hatte Matthias Wiese gemalt – in Öl, auf große Leinwände. Damals gab es keine Computerspielemesse, keine Games-Entwickler-Tagung, noch kein Millionenpublikum. Auf der CeBit Home rannten sie umher, erzählten jedem von ihrer Idee, hatten sich in schief sitzende Anzüge gezwängt.

Die Hartnäckigkeit blieb ein Markenzeichen dieser Gang of Five. Um 2000 haben sie alle eine Woche im Büro geschlafen, CDs gebrannt, Konzepte ausgedruckt. Das Taxi zur Unterhaltungsmesse in London wartete unten, aber es mussten noch ein paar Rohlinge mit der Vorab-Version ihres Spiel gebrannt werden. Auch nach L.A., wo es inzwischen eine eigene Messe für Spiele gab, flogen sie immer wieder. Irgendwann flüsterte man sich dort an der West Coast zu: „Da sind die Exoten aus Europa wieder“. Das war ein Kompliment. Die Amerikaner, unsere großen Brüder auch in diesem Zweig der Unterhaltungsindustrie, hatten sie zur Kenntnis genommen. Darauf ist Ullmann heute noch stolz.

Kurz vor der Jahrtausendwende bezog die Firma ihr erstes kleines Büro. Der Vermieter kapierte nicht, was das junge Unternehmen tut und fragte: „Spielt Ihr die ganze Zeit?“ Nein. Man arbeitete. Hart. Ab und zu legte sich jemand aufs Dach und ruhte sich aus. Und fotografierte den Himmel. „Da gab es immer so schöne Wolken“, findet Uwe. „Die Himmel aus dem Sci-Fi-Videospiel Yager, unserem ersten, stammen alle aus der Gubener Straße in Berlin-Friedrichshain.“

Fünf Männer, fünf Ideen, fünf Charaktere. Aber wie bei jeder guten Bande sind die Aufgaben klug verteilt, vielleicht funktioniert deswegen alles so prächtig. Timo Ullmann ist der Kopf der fünf, der smarte Denker, der nach Außen wirkt und Gamer wie Geschäftleute gleichermaßen überzeugt. Sein Kompagnon Philipp Schellbach leitet mit ihm die Firma, als Direktor der Entwicklung. Matthias Wiese ist für die Visionen zuständig. Er dachte sich das große Charakteristikum des Spiels „Spec Ops“ aus: Die Sandstürme! Wie ein Symbol für die Verwirrung des Soldaten trüben sie alle die Szenen mal rötlich-düster, mal gefährlich-weiß ein. Dafür schickte Wiese extra Leute in die Wüste und ließ dann ein aufwändiges Grafik-Tool programmieren. Uwe Beneke entwickelt und erdenkt ständig neues für die Zukunft – er hat eine Handvoll neuer Spielideen in der Schublade. Und Roman Golka ist heute Chef der IT und Sicherheit, er kann mit Technik und mit Zahlen besonders gut.

Apropos Zahlen: Zwei Milliarden Euro haben die Deutschen 2011 für Spiele ausgegeben – mehr als für Filme oder Musik. 72 Millionen Spiele wurden verkauft. Und nicht nur an die Teenies. Der Durchschnittsspieler ist 32, vier von zehn Prozent sind Frauen. Die erfolgreichsten Videospiele der letzten Jahre waren Kriegsspiele – sie sind derzeit das angesagte Genre. Die ganz großen Blockbuster, „Call of Duty“ oder „Medal of Honor“, verkaufen sich millionenfach. (Call of Duty machte 2011 angeblich an einem Tag 400 Millionen Dollar Umsatz.) Aber eines ist ihnen allen gemeinsam: Sie sind verdammt unkritisch. Amerikaner killen darin böse Russen oder arabische Turbanträger. Die deutschen von Yager wollten etwas Neues finden. Und sie mussten auch, um sich dagegen zu behaupten.

„Als unser Spiel fertig war, hatten wir Angst“, gibt Ullmann zu. „Spec Ops The Line“ ist ein Schlag ins Gesicht des amerikanischen Militarismus. Die US-Flagge hängt falschherum in dem Spiel, und es beginnt gleich mit einer Coverversion von Jimi Hendrix „Star Spangled Banner“ – der Gitarrengott hatte die Hyme 1969 in einer bitteren, lärmenden Anti-Version gespielt, in Woodstock, als Protest gegen den Vietnamkrieg. „Das hätte ja auch Wut auslösen können in den USA, da kommen ein paar Ossis und werfen denen ein kriegkritisches Spiel hin“. Dann kamen die ersten Rezensionen. Und es gab viel Lob. Selbst die Kritiker, die das Spiel nicht mögen, ziehen den Hut vor dem Mut der Macher. Dann erst haben die Fünf aus Kreuzberg gefeiert. „Da konnten wir endlich glauben, es hat wirklich geklappt alles“, sagt Ullmann. Sie schmissen sie eine Party, in einer zum Club umgebauten DDR-Turnhalle, soviel Ostalgie muss sein. Es ging bis morgens.

Nun geht es natürlich gemeinsam weiter. Die Videospiel-Szene stagniert gerade ein wenig, es gibt wenig Überraschungen, man kennt alles schon. Daher warten sie auf neue Technologien. Nächstes Jahr dürften modernere Konsolen erscheinen, die Playstation4, eine neue X-Box – das wird der Spielesezen einen Schub geben. Während aber sonst alle nur auf noch feinere Grafik und vielleicht 3D warten, haben die Yager-Jungs ganz anderes im Sinn: „Die Technologie wird dann die Gefühle der Figuren zeigen können“, erklärt Philipp. „Das erlaubt ganz neue emotionale Tiefe, ganz andere Spielerlebnisse.“

So suchen sie weiter nach Spielideen, die auch Erwachsene faszinieren. Vier der fünf haben Kinder heute. Und einer, Uwe, hat den 5. Dan im Ninjutsu, der Kampfkunst der Ninja. Diese Männer sind nicht nur besessenen Computerfreaks. Sie sind auch normale Enddreißiger. Vielleicht etwas lässiger als normale Enddreißiger. Es steht ihnen gut, zu den besten Spieleentwicklern des Jahres zu gehören.

Thomas Lindemann

Der Artikel ist in ähnlicher Fassung zuerst in der Zeitschrift “Gala Men” erschienen, Oktober 2012.

Schuld und Sühne, digital

Ein in Berlin entwickeltes Videospiel belebt die Pazifismus-Debatte in den USA neu: Das Kriegsepos “Spec Ops” bringt dem Spieler bei, sich für die eigenen Gräueltaten zu schämen

Amerika am Ende: Ein Videospiel aus Berlin-Kreuzberg zeigt den USA, was ihr Krieg auch sein kann. Bitteres Scheitern statt Killererfolg.

Von Thomas Lindemann

Schlechte Spiele sind gute Spiele

Gut, aber, wenn man es ganz ernst nimmt, auch enttäuschend: Asteroids auf dem Atari 2600

Von Thomas Lindemann

Enttäuschungen beim Spielen gehören dazu. Offenbar sogar von Anfang an. Im Jahr 1980 habe ich, gerade erst im Grundschulalter, die hunderttausend Punkte bei Asteroids geschafft. Eine wahrlich blödsinnige Leistung, die man in keinem Lebenslauf unterbringen kann. Aber ich gab alles dafür. Es hat wochenlanges Training auf meinem VCS 2600 gekostet, wenn man weit genug kam, wurde die Schwierigkeit von einem Level zu nächsten nicht mehr härter, man musste dann nur in einen Fluss reinkommen, schauen, reagieren, und auf die Zahl am oberen Bildschirmrand schielen. Bloß – nach 99950 kam – so ein Schock – wieder die Null. Es gab da gar nichts zu erreichen.

Asteroids ist damit noch kein schlechtes Spiel. Eigentlich im Gegenteil – wenn wir ganz ehrlich sind, würden die meisten von uns viele supermoderne Survival-Shooter und Action-Abenteuer jederzeit gegen es eintauschen. Aber Asteroids zeigt, wie das Enttäuschtwerden zur frühesten Spielerfahrung gehört. Gäbe es einen Sigmund Freud der Games-Theorie – die tiefe Enttäuschung, dass ein Spiel mir nicht gibt, was ich mir gewünscht hatte, wäre sein Ödipuskomplex.

So gehen Chancen dahin: Alma, die Horrorheldin aus der F.E.A.R.-Reihe, hätte eine großartige Figur werden können.

Schlechte Spiele sind gute Spiele. Dieser Satz meint zwei Dinge. Einerseits: Richtig mies sind oft die ganz großen Spiele, in die Millionen gesteckt werden und auf die hunderttausende Fans warten – und dann kommt ein Käse wie „F3AR“ dabei raus.  Und andererseits, schlechte Spiele sind eine gute Sache. Denn von ihnen können wir so viel lernen. Manchmal mehr als von großartigen Spielen. Wir merken durch schlechte Spiele auch erst wieder, was wir uns eigentlich von Games wünschen – und das ist im Moment so wichtig wie nicht anderes. Der Games-Mainstream ist so festgefahren und gleichförmig, dass neue Vorstellungen her müssen, was überhaupt ein wunderbares Spiel sein könnte. Dabei, diese Visionen zu entwickeln, helfen schlechte Spiele.

Überhaupt, apropos FEAR: Das war schon irre, als man im zweiten Teil irgendwann in einer surrealen Fantasy-Landschaft der offensichtlich Schwangeren Alma gegenüberstand, diesem Geistwesen, dass den Spieler in all die Kämpfe warf und immer wieder in wilden Traumbildern die Ballereien unterbrach. Nur: Wenn sie ein Traumwesen aus der anderen Dimension ist, wieso komme ich dann weiter, indem ich auf sie schieße? So dümmlich war ja nicht einmal der 80er-Horrortrash im Stil von „Poltergeist“. Geistern kann man keine reinhauen, es sei denn man ist bei den Ghostbusters. Das gleiche Problem hatte Alan Wake. Tolle Atmosphäre, die erste echte Steven-King-artige Erfahrung in einem Spiel. Am Anfang. Und dann wiederholt sich alles immer nur, und man wundert sich irgendwann doch: Tauchen körperlose Schatten aus dem Jenseits oder was auf, knüppele ich sie einfach nieder? Das soll alles sein?

Die besten Spiele sind oft auch schlechte Spiele. Und in einzelnen Details ist sogar ein Großteil der Spiele schlecht. Wenn mir bei L.A. Noire der Hut vom Kopf fällt, warum kann ich ihn nicht wieder aufsetzen? Warum haben die Macher von Vampire Rain: Altered Species eine ziemlich hübsche beklemmende Welt erschaffen, tolle Musik eingekauft und das Spiel dann so absurd schwer gemacht, dass niemand daran Spaß hatte? Und, soll das eine Story sein in „Crysis“? Die Aliens kommen, die Nordkoreaner auch, alle schießen auf alle, man fliegt weg von der Insel und dann wieder zurück, und das wars. Zugegeben, das war jetzt arg verkürzt. Die hanebüchenen Details fehlen. Es bliebe auch mit ihnen eine Zumutung. Und das für ein Publikum, dass so komplex zeitlich verschachtelte Mehrpersonen-Geschichten wie Pulp Fiction verstanden und geliebt hat.

David Cage, der Macher der Spiele „Fahrenheit“ und „Heavy Rain“, sagte mir einmal im Interview: „Ich bin erwachsen geworden, ich habe Kinder, ich habe wenig Zeit. Was soll ich mit einem schweren Spiel, das mich frustriert?“ Nun haben wir uns alle vielleicht auch mit etwas zu viel Lob auf sein „Heavy Rain“ gestürzt damals – so gut, dass man es immer wieder einlegen möchte, ist es auch wieder nicht. Aber es war ein Anfang. Man hat gemerkt: Es geht doch auch anders!

„Es könnte auch anders sein“, der große und simple Satz des Systemtheoretikers Niklas Luhmann, ist der Kern jeder progressiven Kulturkritik. Man muss sich nur mal vorstellen, was es alles geben könnte – selbst wenn es niemand macht – und schon gibt es an der herrlich bunten Gameswelt unserer Millionenkonzerne manches zu bemängeln. Sie nutzen nämlich viel zu oft die Möglichkeiten nicht, die sie hätten – auch deswegen sind ihre Hits oft einfach schlechte Spiele, egal wie viele Millionen sie kaufen. Wer braucht denn ein Hellboy-Spiel, das genauso funktioniert wie alle Actionspiele, nur viel schlechter und ganz einfallslos – dafür hätte Guillermo del Toro sich nicht auf den weiten Weg von Hollywood zur deutschen Gamesmesse machen müssen. Und wer freut sich wirklich an den Muskelsoldaten aus Space Marines, wenn mit Duke Nuke Em Forever gleichzeitig die endgültige Parodie des Machismo im Spiel herauskommt?

Das führen einem die wenigen fantastischen und besonders ungewöhnlichen jedes Jahres vor Augen – verrückte Dinge wie Child of Eden oder Portal, die einfach mal alles anders machen und beweisen, dass so viel Großartiges denkbar ist. Aber genau das führen einem auch schlechte Spiele vor Augen. Spielt man sie, weiß man wieder, was man sich eigentlich von einem Game wünscht. Insofern: Schlechte Spiele sind gute Spiele.

Der Autor ist Kulturjournalist, lebt in Berlin und betreibt eine blogartige Artikelsammlung unter www.games-feuilleton.de. Geboren wurde er im selben Jahr wie das erste große Videospiel, Pong.

Dieser Artikel erschien zuerst in “WASD” (Nr. 1/Juni 2012), einem hervorragenden neuen Kulturmagazin für erwachsene Videospieler, entstanden unter Regie des Journalisten Christian Schiffer. Man kann das Heft bestellen unter wasd-magazin.de (und das ist auch zu empfehlen).

Katholisches Inferno

Max Payne 3 ist eines der Videospiele des Jahres. Aber es zeigt auch, wie Rockstar Games, die wegweisende wichtigste Gamesfirma der Welt, mit ihren Ideen langsam in die Sackgasse gerät. Sie braucht einfach neue, um cool zu bleiben – mit ihren bisherigen hat sie sich zu Tode gesiegt. Eine der Fragen, die sich inzwischen aufdrängen: Warum immer wieder nur Stories um schuldbeladene Männer, die das reinigende Feuer suchen?

Von Thomas Lindemann

Action-Helden sterben nicht. Aber ein einziges Mal hätte es Max Payne, diesen Ex-Bullen und Revolvermann der modernen Großstadt, fast erwischt. Es gibt eine Szene, da hätte er keine Chance gehabt gegen einen Hinterhalt, doch plötzlich springt neben ihm ein Verwahrloster aus seiner Wohnungstür. Ein Gescheiterter, unbehost, langhaarig, im Parka, und er rettet Max, indem er den Angreifer erschießt. Ringsherum brennt es schon. Der Penner sagt dann zu Max, also zu uns, den Spielern: „Keine Angst vor dem Feuer. Es wird dich reinigen.“

Dieses tief katholische Motiv ist der Grundgedanke dieses Spiels – vielleicht sogar der Grundgedanke bei „Rockstar Games“, dem Hersteller, der uns auch andere wegweisende Spiele wie „Grand Theft Auto“ oder „Red Dead Redemption“ brachte. Vor wenigen Tagen ist „Max Payne 3“ erschienen und wieder wird eine der ganz großen Spielereihen fortgesetzt. Wieder campierten Fans vor Geschäften. Wieder werden Millionen umgesetzt.

Das erste „Max Payne“ erschient vor elf Jahren, erzählte von einer Verschwörung innerhalb der New Yorker Polizei und vom Rachefeldzug des Max Payne, dessen Frau und Kind ermordet wurden, weil sie zuviel wussten. Das Spiel war eine große Schießerei und wurde in Deutschland sofort indiziert. Aber Henry Jenkins vom M.I.T., Gamesforscher der ersten Stunde, nannte es Kunst. Man kann in dem Spiel und seinen Nachfolgern die Zeit verlagsamen, jenen Effekt erleben und steuern, den die „Matrix“-Filme aufbrachten. Alles im Dienst des Kampfes. Max Payne ist ein Pistolenballett, eine überzogene Ballerei im Stil des Hongkong-Regisseurs John Woo. Wäre Max Payne Kino, hätte es sicher schon viel Lob für seine opulente und düstere Szenerie erhalten.

Aber es ist ein Videospiel. Und so fand sich etwa bei den Kollegen von der „Zeit“ doch tatsächlich jemand, um in das kulturkonservative Horn zu stoßen – bloße Gewaltorgie sei das Spiel und „MTV-hafte“ Inszenierung des Tötens. Die Fachmagazine für Spieler dagegen loben es schon jetzt zum Klassiker hoch, wer ein Wertungssystem hat, vergibt oft die höchste mögliche Punktzahl. Beides ist Unsinn. Das Spiel ist gelungen, seine Geschichte komplex, seine Bilder sind atemberaubend. Und trotzdem funktionert es nicht ganz, es zeigt, dass das Prinzip von Rockstar Games hier an ein Ende kommt.

Doch zunächst bringt das Spiel eine großartige Erkenntnis: Videospiele beerben den Film inzwischen ganz bewusst. Max Payne 3 etwa hat das Problem der subjektiven Perspektive gelöst. Man sieht zwar im Bild den Mann, den man da steuert, gleichzeitig ist man auch er. Dieses Paradox löst das Spiel über Effekte: Max ist tablettensüchtig, leidet an Schwindel und, wie der Psychologe sagen würde, Identitätsdiffusion. Und das sieht man eben auch. Denn das Bild flackert und flirrt und gibt dem Spieler so den Gemütszustand seiner Figur. Robert Montgomerys Film „Lady in the Lake“ hatte 1947 versucht, alles aus dem Blick des Protagonisten zu zeigen und ihn selbst somit nie. Das Experiment scheiterte. Max Payne macht es umgekehrt, es zeigt den Protagonisten immer und färbt das Bild doch gleichzeitig mit seiner Subjektivität. Das funktioniert erstaunlich gut.

Das Spiel erzählt auch etwas – ein Gangsterepos aus Sao Paolo, wo die Reichen mit Kokain und Blick auf die Favelas im Penthouse feiern, wo die dunkle Seite des Kapitalismus seine einzige ist. Dort erlebt Max Payne, der letzte Aufrechte, der immerhin Wort halten will in einer Hölle aus Neid und Lüge, eine Geschichte um Intrigen und Verrat. Zweimal gleich ist alles nicht, wie es scheint. Und dann ist da ein erhabener Moment der großen Umkehr, der stets versoffene Max Payne wirft die letzte Whiskyflasche in den Spiegel, schert sich die Haare und zieht los, um endgültig mit dem Bösen aufzuräumen. Das zitiert so viele kulturelle Bilder, von Travis Bickle aus „Taxi Driver“ bis zu Walter White aus „Breaking Bad“, man weiß gar nicht, wo man anfangen soll, Anspielungen zu sehen. Vielleicht bei „Pat Garrett jagt Billy the Kid“, auf dessen Höhepunkt Garrett in den Spiegel schießt, weil er sich selbst verachtet.

Das passt, denn das Selbstmitleid ist ein großes Thema von Max Payne, das immer wieder in den Monologen des Helden vorkommt. Der unrasierte, scheinbar harte Kerl trägt es bis ins Unerträgliche vor sich her. Dass er eine Psychologie hat, ist neu. Überhaupt ist es neu, dass Videospielfiguren etwas empfinden.

Daran hat auch der großartige Hersteller dieses Spiels Anteil gehabt. Die New Yorker Firma Rockstar Games ist jahrelang die größte und wichtigste gewesen für jeden, der ernstzunehmende, epische Spiele wollte. Doch nun kommt ihr Prinzip an sein Ende. Die auf Dauer sehr mechanische Ballerei wirkt immer lächerlicher im Vergleich zu den großartig komplexen Hintergrundgeschichten. Letztere sind verschachtelt, am Film Noir geschult, und mit visuellen Überraschungen inszeniert. So schachteln sich Gegenwart und Erinnerungen kaum merklich ineinander, die Silhouette der Figur Payne bleibt aber – er bückt sich im Jetzt nach einer Dose Bier, plötzlich wandelt sich alles außer ihm selbst, die Dose ist ein Blumenstrauß geworden, den er am Grab seiner Familie niederlegt. Wie könnte man schöner die traurige Wahrheit illustrieren, dass der Säufer tief in Melancholie und Vergangenheit lebt.

Doch die Schieß-Sequenzen, das einzige, das der Spieler selbst steuert, sind dagegen einfach zu stumpf – immer neue Feinde, immer in absurder Zahl, kommen aus allen Türen und um alle Ecken auf das Spieler-Ich zugerannt. Bei anderen Shootern muss man immerhin mal ein Schnellboot fahren oder ein Schloss knacken. Nicht bei Max Payne. Er ist wie der Blues – bodenständig, ehrlich, und leider immer das gleiche.

Und nicht nur das, Rockstar Games kommt auch in inhaltlicher Hinsicht an eine Grenze. Die Köpfe des Unternehmens, die Brüder Sam und Dan Houser, lieben die Geschichte des einsamen Helden, der Last an einer dunklen Vergangenheit trägt. Alle Ihre Helden waren gebrochen und hatten Schuld auf sich geladen. Da war Nico Bellic aus „GTA4“, der Serbe, der es in New York als Gangster versucht und aus dem Balkankrieg eine offene Rechnung sowie ein sehr schlechtes Gewissen mitbringt. Da war John Marston, der einsame Reiter aus „Red Dead Redemption“, der einst Gunman war und am Ende des Spiels büßen wird. Und da war Cole Phelps aus dem Spiel „L. A. Noire“, der Schuld aus dem Zweiten Weltkrieg mitbrachte und am Ende der Story dafür bezahlen wird. Griechische Tragödien, in deren Zentrum harte Männer zerbrechen. Das war mal höchst innovativ, schließlich hatten Videospiele kaum überhaupt eine Story. Inzwischen möchte man einfach nur noch eins dazu sagen: Es wird dringend Zeit für eine zweite Idee!

Max Payne 3 ist technisch brillant. Aber es kann sich nicht recht zwischen stumpfer Action und kluger Idee entscheiden. Es war klar, dass niemand die Spiele von Rockstar Games übertrumpfen kann, sie mussten sich selbst besiegen: Hier schafft fällt der Action-Shooter mit ausgefeilter Story quasi dialektisch in sich zusammen. Er wurde bis an sein Maximum getrieben, man spürt schon, dass mehr nicht geht. Man kann ihn nun noch ein letztes Mal genießen.

Eine ähnliche, nur etwas kürzere Fassung dieses Artikels erschien am 1. Juni 2012 im Feuilleton der „Welt“

Am 24. April 2012 beginnen die Deutschen Gamestage mit der Entwicklerkonferenz Quo Vadis und A Maze, dem Festival für Independent Games. Auf der Konferenz, der wichtigsten dieser Art in Deutschland, kann man sehen und hören, was die Spielemacher des Landes gerade umtreibt.

Der untenstehende Artikel ist eine Langfassung meines Textes, der am 24.4. im Kulturteil der Welt sowie in Welt kompakt erschien. Der Link zu Welt Online und der dortigen Fassung wird nachgereicht – bisher (Stand 7:50 Uhr) ist der Artikel nur in der gedruckten Ausgabe zu lesen.

Auch wenn es nicht so aussieht, dies ist ein Videospiel: "TwinKomplex", ein Verschwörungsthriller, den man online im Browser spielt. Ein kunstvolles und kluges Gratis-Spiel - in diesem Genre ist das eine große Ausnahme. (Foto: ludicphilosophy.com)

Bernd das Brot oder Joseph Conrad?

In Berlin beginnen die Deutschen Gamestage 2012 – die Konferenz der Spieleentwickler ist auch ein Seismograph für die Stimmung in der Szene. Dies Jahr spürt man, wie die Gratiskultur die Spielemachern  beflügelt und ihnen gleichzeitig arg zusetzt: Denn sie stört den Anspruch, das Spiele auch Kunst sein können

Von Thomas Lindemann

„Wir sind keine Oper, aber auf dem gleichen Niveau“

Deutschlands Videospiele-Macher sind sauer: Der deutsche Film bekommt jährlich rund 300 Millionen Euro Förderung. Sie bekommen fast nichts. Nun regt sich Protest

Von Thomas Lindemann

Eine ähnliche Fassung dieses Artikels erschien am 17. April 2012 in der WELT. Hier der Link zur dortigen Ausgabe: http://www.welt.de/print/die_welt/kultur/article106189782/Wir-haben-das-gleiche-Niveau-wie-eine-Oper.html 

Für die deutschen Filmproduzenten gab es kürzlich gute Nachrichten, persönlich überbracht von Kulturstaatsminister Bernd Neumann. Der besuchte im Februar ihre Jahrestagung und sagte dort, es sei ihm „ ein großes Anliegen, dass die Erfolgsgeschichte des Deutschen Filmförderfonds uneingeschränkt fortgeschrieben werden kann.“ Damit war klar, dass der Deutsche Filmförderfonds weitergeführt wird. In ihm wurden die Bundessubventionen für Film und Kino vor fünf Jahren neu organisiert und gebündelt, und zwar zunächst bis 2012.

Von Computerspielen war keine Rede, auch nicht in den nachfolgenden Mitteilungen des Kulturstaatsministers. Darüber ärgern sich jetzt einige aus der deutschen Videospielszene – unter dem etwas sperrigen Namen „Novelliert die Medienförderung – Gleichberechtigung für Games“ haben mehrere Produzenten und Unternehmer eine Initiative gegründet, die auch für Spiele mehr Förderung will. Das ist, nur wenige Tage vor den „Deutschen Gamestagen“, dem wichtigsten Branchentreffen der Spieleentwickler, und der Verleihung des Deutschen Computerspielpreises, durchaus brisant. Denn kein anderer als Bernd Neumann wird in neun Tagen auf einer Berliner Bühne stehen, um diesen Preis zu vergeben – und wird sich dann wohl zu der neuen Debatte um die Spieleförderung äußern müssen.

Nimmt man ernst, dass Videospiele ein Teil der deutschen Kulturproduktion sind, wirkt das Missverhältnis in der Tat eklatant: Etwa 300 Millionen Euro an Fördergeld fließen jährlich in den deutschen Film. Rund 60 Millionen durch den erwähnten Filmförderfonds DFFF, dazu kommen vor allem die Gelder der Länderförderungen. Videspiele dagegen erhalten nicht einmal ein Hunderstel dieser Summe. 300.000 Euro werden nächste Woche beim Deutschen Computerspielpreis vergeben. Daneben gibt es nur noch ein paar Einzelinstitute wie die Mitteldeutsche Medienförderung oder das Medienboard Berlin-Brandenburg. Sie geben hier und da einen deutschen Spieleentwickler mal mit 40.000, mal 80.000 Euro. Die Spieleförderung in Deutschland dürfte insgesamt klar unter zwei Millionen Euro liegen.

Nun ist die Filmförderung, wie jede Kultursubvention, seit jeher umstritten – und es gibt immer schon ein gutes Gegenargument gegen alle Kritiker: Sie „refinanziert“ sich, wie es im Finanzdeutsch heißt, das investierte Geld wird teils wieder zurückgezahlt, stärkt ansonsten eine Industrie, deren Umsatzsteuer an den Staats zurückfließt. Deswegen war die Kritik etwa daran, dass Quentin Tarantinos „Inglorious Basterds“ mit rund sieben Millionen Euro unterstützt wurde, immer schon überflüssig. Die Filmförderung ist mindestens so sehr Wirtschafts- wie Kulturförderung. Genau das will aber nun die Spielebranche für sich geltend machen. Verschiedene Rechnungen vermuten, dass 10.000 bis 18.000 Menschen in der deutschen Spieleindustrie arbeiten, 2 Milliarden Euro wurden 2011 in Deutschland für Spiele ausgegeben. Das kann sich mit der Filmindustrie längst messen.

Die Spielemacher werden nun also selbstbewusster, auch wenn sie sich mit ihrer neuen Forderung vorsichtig geben. Ins Leben gerufen wurde die Initiave von Stephan Reichart, einem innerhalb der Gamesbranche sehr bekannten Mann. Der studierte Geisteswissenschaftler und Unternehmer organisiert die Deutschen Gamestage und war Geschäftsführer des Entwicklerverbandes. Nun aber betont er immer wieder, dass er „nur als Privatperson“ den Aufruf zu einer neuen Medienförderung gestartet habe. Und: „Es geht nicht darum, alles umzuschichten“, sagt Reichart – der sich auch einen besonderen Fan des deutschen Films nennt. „Wir wollen zunächst nur darauf hinweisen, dass die Verteilung ungerecht ist.“ Er könnte sich Modelle wie einen Games-Förderfonds vorstellen, will aber nichts nahelegen, sondern nur eine Debatte starten.

Das scheint schon jetzt gelungen. Die größten rein deutschen Spielehersteller haben sich seinem Aufruf schon angeschlossen. Das liegt auch an Druck aus dem Ausland. In den letzten Tagen wurde bekannt, dass die europäischen Nachbarländer ihre Videospielbranchen stark fördern wollen. Der britische Entwicklerverband TIGA verkündete stolz, dass die Regierung massive Steuererleichterungen für Spielefirmen plane, von mindestens 20 Prozent ist die Rede. Und sogar Italien will seine Games-Industrie so stärken. Ein Gesetzentwurf dazu wurde ausgerechnet aus Berlusconis christlich-konservativer Partei Popola della Libertà eingebracht.

Wenn es einen Deutschen gibt, der daran arbeitet, Videospiele zum Kulturgut zu machen, ist das der Hamburger Carsten Fichtelmann. Seine Firma Daedalic Entertainment gewinnt regelmäßig alle wichtigen Spielepreise, sie macht Abenteuerspiele, die technisch recht konventionell, inhaltich aber ungewöhnlich und oft humorvoll sind. Etwa „Edna bricht aus“, bei dem man einer Comic-Figur aus dem Irrenhaus heraushelfen musste, oder das Öko-Abenteuer „A New Beginning“. Fichtelmann tritt nun auch für einen Wandel bei der Förderung ein. „Es ist unsagbar schwer, als Produzent von Computerspielen für seine Ideen eine Investition zu bekommen“, erklärt er. Seit die klassischen Hersteller von Spielen vorsichtiger werden und der Markt sich zum Online-Download hin verlagert, habe sich das noch verschärft. Und von Bedenken, dass Spiele noch nicht den gleichen Status als Kulturgut haben, den der Film doch zumindest teilweise für sich Anspruch nehmen darf, will er gar nichts wissen: „Wir sind keine Oper, machen aber auf dem gleichen Niveau Kultur.“

Die 3sat-Sendung “Nano” hat mich gebeten, mit einem Redakteur über den Roman “Darknet” zu sprechen, in dem Games eine bedeutende Rolle spielen. Wir sind bei der Gelegenheit dann einfach in das großartige Computerspielemuseum in Berlin gefahren und ich habe dort ein paar Dinge vorgeführt, die Spiele heute so können.

Heimliches Highlight: Die Szene, in der der (übrigens sehr nette) Redakteur virtuell Tennisbälle ins Gesicht bekommt. Das hat er sich anders vorgestellt. Es ist wohl einfach doch ein Gewaltspiel, dieser horrorharte 3DS-Kram.

http://www.3sat.de/page/?source=%2Fnano%2Fbt%2F157595%2Findex.html

Eine ähnliche Fassung dieses Textes ist in SPEX 11/12-2011 erschienen, als Aufmacher eines Specials über Videospiele. Das Heft ist seit Mitte Dezember 2011 nicht mehr am Kiosk.


Godzillas Riesenbaby

Wo bleibt der Roland Barthes der Games-Theorie, wo der Georg Seeßlen der Spielehochschulen? Die Wissenschaft steht auf traurigem Niveau, die Kritik sowieso, der Underground hat wenig Chancen. Videospiele entwickeln sich toll, kämpfen dabei aber mit einigen Problemen.

Text: Thomas Lindemann

Jeden Sommer kommen sie aus der ganzen Welt nach Köln, all die Games-Konzerne aus Fernost und Übersee, um ihre Neuheiten auf der GamesCom, der weltgrößten Messe für »interaktive Spiele und Unterhaltung« zu präsentieren. 2011 gab es vor allem altbekannte Massenware zu sehen; die Shows waren enttäuschend, aber sehr laut. Und dann: ein lichter Moment. Schwarz tritt ein einsamer Kämpfer vor eine rote Sonne, sein Schatten zeichnet sich weiß in Scherenschnitt-Optik ab. Eine Ästhetik wie in Frank Millers Sin-City, nur gewagter. Da schien ein moderner Kunst-Comic als Game zum Leben zu erwachen. Wow! So ein Spiel sollte es jetzt geben? – Natürlich nicht! Es war die kunstvolle Inszenierung eines Trailers zu Resistance 3 – und sie konnte nicht darüber hinwegtäuschen, dass das Spiel selbst dem üblichen Paradigma aktueller Action-Games folgt: dem Fotorealismus. Alles soll so aussehen, dass man es für »echt« hält. Das ist oft frappant, und häufig hübsch anzusehen, aber immer auch etwas traurig, wenn sich darin die Ästhetik-Diskussion erschöpft.

Das Videospiel stapft derzeit ein bisschen wie Godzillas Riesenbaby durch die Kulturlandschaft. Seine Entwicklung war wirtschaftlich atemberaubend, es hat sozusagen mächtige Muskeln bekommen. Künstlerisch und diskursiv ist es aber nicht ganz mitgekommen. Es fehlt an Selbstreflexion, und ein eigener theoretischer Ansatz, wie ihn die Game Studies proklamieren, will nicht so Recht in die Gänge kommen. Ob Gaming nun affirmativ sei oder kritisch, welche erhellenden Einsichten es transportieren kann, ob es sich mit Diskursen anderer Kunstformen kurzschließen lässt, all das spielt auf Veranstaltungen wie der GamesCom eine untergeordnete Rolle.

Das muss sich ändern, und es wird. Denn, erinnern wir uns, alles begann doch so großartig. Ende der Neunziger hörten wir nächtelang Chemical Brothers und spielten dazu Mario Cart auf einer SNES-Simulation für den PC. Beides war gnadenlos plastic, aber so konsequent und humorvoll, dass man sprachlos war. Dann kamen die privaten LAN-Parties und Echtzeit-Strategiespiele wie StarCraft, später das popaffine Musikspiel Rez, und dann schon das totalitäre Sci-Fi-Regime in Half-Life. Die Spiele wurden immer irrer und, immer schöner. Und die Kulturzausel in Politik, Medien und Wissenschaft da draußen wussten nicht einmal, dass es das gab, während sie sich im Pfründesystem des bundesdeutschen Betriebs um ihre Fleischtöpfe stritten. Spielen war Haltung. Subversion mit Freude daran. So ähnlich wie vielleicht wie Heaven 17 Hören Anfang der Achtziger.

Noch etwas fiel während der GamesCom im Sommer 2011 auf: Beim Entwicklerverband, der doch diejenigen vertritt, die Spiele erschaffen, die Club Mate trinken und für ihre Sache brennen – ausgerechnet da sah man Schlipse, Schlipse, Schlipse. Die Investoren und Geldmacher sind präsenter als je zuvor. Sie duzen sich nicht und sie sind neuerdings Herr über die Gästelisten. Die coolen Gestalten muss man inzwischen suchen. Die Gleichförmigkeit des Mainstreams ist nicht wegzureden, auch nicht aus den groß angekündigten Spielen der letzten Monate. Von dem x-ten Teil der Fußball-, Football- oder Basketballsimulationen wollen wir gar nicht sprechen. Aber da war etwa das plumpe Space Marines, in dem der Spieler als uniformierter Klopper mit übergroßen Schultern an der Kriegsfront alles plattmacht. Oder die Fortsetzung der Fear-Reihe, dieses Horror-Egoshooters, der in früheren Teilen seltsame Traumszenen enthielt, in denen ein kleines Mädchen namens Alma den Spieler attackierte. Das war clever, da steckte Blattys Exorzist als Zitat drin und Das Omen von Richard Donner sowieso. Zugleich funktionierte das Game als bitterer Kommentar zum Thema Kindesmissbrauch: Die tödliche kleine Alma, so erfuhr man später im Spiel, war Missbrauchsopfer und rächte sich für die perverse Experimente, die an ihr durchgeführt worden waren. Nun entpuppt sich der dritte Teil der Serie F3AR aber als dummes, stumpfes Kriegsspiel. Und auch das neueste Deus Ex ist eine Enttäuschung. Als Vision einer Zukunft, in der Menschen sich durch Maschinenteile aufpeppen lassen, besitzt das Spiel durchaus referentielles Potential, handelt es sich hier doch um eine Form von Transhumanismus, wie er auch in aktuellen Suhrkamp-Bändchen diskutiert wird. Aber die Umsetzung – ein Kerl ballert sich zur Rettung der Welt durch machistische Machtphantasien – so etwas war schon bei Rambo II und Rambo III reaktionär. Heute sollen wir die Pille erneut fressen und uns dabei auch noch freuen.

Aber Spiele können auch für Überraschungen sorgen und wach machen. So wie das herrliche Musikspiel Child of Eden, dessen Soundtrack je nach Spielstil immer anders klingt. Oder Portal 2, in dem man nicht mit Kugeln schießt, sondern mit Türen, die sich in den Wänden plötzlich auftun. Die funktionieren dann wie Teleporter und erschließen als waghalsiger 3D-Gag ein ganz neues Raumgefühl. Es gab From Dust, in dem man Gott spielt und Landschaften formt – die metaphysische Klimax aller imperialistischen und zivilisatorischen Strategiespiele. Und demnächst kommt Max Payne 3 auf den Markt, dann geht eine bedrückende Hardboiled-Story in hoch konsequentem Design weiter, die man mindestens jedem der neueren Filme von Tarantino vorziehen würde.

Großartiges steht neben einer Übermacht von Mist, in diesem Widerspruch steckt die Games-Branche derzeit. Auflösen kann sie ihn nicht, aber offenbar herrscht ein großer Drang, ihn einzuordnen und das eigene Prinzip, die eigene Entwicklung zu begreifen. Ein Zeichen dafür ist die rasante Musealisierung: Das deutsche Computerspielemuseum, als Sammlung schon 15 Jahre existent, bezog zum Jahresanfang erstmals würdige Räume in Berlin Friedrichshain. Das Smithsonian, eine der größten US-amerikanischen Forschungs- und Bildungseinrichtungen, die mehrere Institute und Museen umfasst, kündigte für 2012 eine umfassende und komplexe Ausstellung seiner historischen Games-Sammlung an, und das British Museum bietet seinen Besuchern einen Design-Workshop zum Thema Retro Game. »Spiele sind in der Gesellschaft angekommen.«, dieser Satz wurde aus der Gamer-Szene heraus lange wie ein Mantra beschworen, heute ist er wahr geworden – nur nicht ganz so, wie man sich das immer gewünscht hatte.

Das Establishment will Games, aber bitte der harmlosen Art. In Deutschland sorgt auch die Zensur für Zahnlosigkeit. Bilderbuchhaft führt dies der Deutsche Computerspielepreis vor, den Kulturminister Bernd Neumann Anfang 2009 ins Leben rief. Wenn man schon den deutschen Film jährlich mit knapp 200 Millionen Euro fördert, dann kann man doch diese junge Kulturbranche Games auch mal mit 300.000 Euro dotieren. Unter den Anwärtern befindet allerdings nie auch nur ein Spiel, das vom Jugendschutz als »ab 18« eingestuft wurde. Als vor zwei Jahren Grand Theft Auto 4 aus politischen Gründen – der politische Mainstream pflegt weiter das Klischee, Spiele seien gefährlich, wenn Pistolen darin vorkommen – keinen Preis bekommen durfte, wäre die Jury beinahe zerfallen. Der Zirkus täuscht niemanden darüber hinweg, dass der Deutsche Computerspielepreis traurig gescheitert ist und wohl kaum noch länger als ein bis zwei Jahre existieren wird. Gerade weil er zuletzt alibimäßig mit dem kommerziellen Preis Lara auf einen Abend zusammengelegt wurde, damit wenigstens irgendwo mal die ernst zu nehmenden Games vorkommen.

Auch im akademischen Diskurs herrscht leider eindimensionaler Flachsinn. Da gibt es einerseits die etwas peinliche Wirkungsforschung, die tatsächlich festzunageln versucht, was konservative Kulturkritik im Sinne der Pädagogik seit Jahren erfragt: Ist das alles schädlich? Oder wie es Helen, die Frau von Reverend Lovejoy in der TV-Serie Die Simpsons gerne herauskreischt: »Kann denn nicht mal jemand an die Kinder denken!« Wirkungsforscher sperren Versuchspersonen ins Labor, lassen sie Shooter-Games spielen und hinterher Testfragebögen ausfüllen, welche die Steigerung der Aggressivität messen sollen. Derzeitiger Stand dieser Forschung: Videospiele erhöhen die Aggressivität kurzzeitig, Fernsehen übrigens auch und sogar noch etwas mehr. Andererseits versucht der eine oder andere Juniorprofessor auch, die Games selbst zu erfassen, und hantiert dazu meist mit Begriffen wie »Immersion« – wie tief zieht das Spiel in seine Welt hinein – oder »Ludologie« – ist es ein Spiel, so wie Kniffel oder Schach, oder ist es doch eher eine Erzählung wie Effi Briest oder Terminator? Das alles ist herrlich akademisch und trocken geworden. Eine elegante Kulturkritik, wie wir sie vom Film her kennen fehlt – man denke an Roland Barthes strukturale Analyse von Eisensteins Filmbildern, oder daran, wie Georg Seeßlen eine an Umberto Ecos Frühwerk geschulte Semiotik auf das Kino anwandte. Solch lebendige Theorie fehlt im Bereich des Videospiels. Und, schlimmer noch, dieser Mangel fällt nicht einmal irgendwem auf. Als Feigenblatt hat man sich das Feld der »Serious Games« geschaffen, der Spiele, die einen Lerneffekt haben. Aber wieso sollten eigentlich nur die einen Erkenntniswert haben, und nicht alle Games?

Kürzlich entbrannte auf Spiegel Online eine Debatte um den Games-Fachjournalismus. Der Journalist Christian Schmidt, der ihn jahrelang selbst befeuert hatte, gab plötzlich zu, wie dumm doch die ganze Szene sei. Der Aufschrei war laut. In der gesamten Fachpresse werden Spiele, die doch angeblich Kulturgut geworden seien, stets auf einer Prozentskala bewertet. Als würde man sagen: Die neue von The Kooks ist nur 68 %, also so la la, die letzte Chili Peppers aber 85 %, muss man kaufen. Übrigens, das Buch von Martin Walser erreicht wirklich nur 54,5 %, vergesst es. – Nun ist es also raus: So über Kultur zu denken ist krank. Petra Fröhlich, die Chefredakteurin mehrerer Fachmagazine, wehrte sich in einem etwas zu reflexhaften Antwortartikel: Viele Spiele seien doch so schlecht, was solle man da Differenziertes berichten, und überhaupt wies sie alle Kritik schlicht von sich. Dass es eine Unart der gesamten Fachpresse ist, Spiele, die doch angeblich Kulturgut geworden seien, stets auf einer Prozentskala bewertet, kam nicht zur Sprache. Das war typisch für die Gamer-Szene. Auch hier findet echte Diskussion nicht statt und immer fühlt sich jemand auf den Schlips getreten. Und die klugen Games-Zeitschriften Gee und Ple:, die es anders wollten, wurden eingestellt.

Man kann nur warten und auf die Spiele selbst hoffen. Half-Life 3 soll in Arbeit sein. Mass Effect 3 kommt – das Spiel, dessen Vorgänger es bis in die CNN-News schaffte, weil es einfach mal auch eine Sexszene einbaute. Und Lara Croft kommt wieder, ohne Atombusen, mit mehr Gefühlen – warum nicht. All das kann aufregend werden. Dafür, dass es auch relevant wird und irgendeinen Funken für Debatten oder kluge Gedanken schlägt, wird man in Zukunft aber einstehen müssen. Von selbst kommt das nicht – dafür sind Games inzwischen zu tief in den normalen Betrieb eingedrungen, mit all ihren Awards, Ausstellungen und Umsatzrekorden. Der Geist ist noch da, aber er braucht uns ab jetzt.

Thomas Lindemann ist Kulturjournalist und lebt in Berlin. Er wurde im selben Jahr geboren wie das erste Videospiel, PONG.